繼五條人現場臨時改歌之後，本期樂夏又上演了
野孩子改編賽不改歌，演自己的歌退賽，撐起這屆樂夏的彷彿都是“意外”，而不是樂隊。
我自己很喜歡野孩子樂隊，但野孩子vs超級斬這場比賽劇情卻讓我覺得
非常狗血
，不僅一點都不感動，甚至有些生氣。
野孩子理解的國風到底是什麼？
野孩子vs超級斬這組的改編主題是“國風”，
張佺拒絕改編這組歌曲的理由是覺得這些歌都不是他自己理解的國風
，但是節目剪輯很迷惑的，
一直都沒有讓野孩子解釋出來自己理解的國風到底是什麼。
從選歌環節，觀眾看到的就是張佺一直沉默地坐在選歌室裡，這首也不滿意，那首也不情願，
他始終在重複，這不是他理解的國風，但到底他理解的國風是什麼？除了他們留在舞臺上的這首《竹枝詞》，節目組最後也沒有讓他們做出解釋。
張佺最後一次在舞臺上提出這個問題，他說的話也被奇怪的剪輯剪掉了。從
始至終，我們只是看到張佺任性地站在臺上說，不喜歡，真的不喜歡。並沒有沒有觸及野孩子藝術觀念的核心。
那麼在長達半個多小時的剪輯裡，我們看的是什麼呢？
剪輯老師看似大篇幅地渲染了野孩子的藝術精神，
剪輯了一堆哭泣的煽情鏡頭，把野孩子推到了一個封神高度的同時，還順便把野孩子勸說超級斬留下來這一幕闡釋為了新老樂隊薪火相傳的接力棒。
眾所周知，本季樂夏的後期剪輯換成了《嚮往的生活》的剪輯團隊，本著《嚮往的生活》一起做個飯、喂個狗、蕩個鞦韆都要扯上兄弟姐妹情誼的這種剪輯邏輯，
剪輯老師給這段改歌棄賽的情節賦予了一段我等常人難以理解的思想高度，卻隻字沒有表現他宣揚尊重的藝術家的藝術理念到底是什麼。
改編賽考的到底是什麼？
野孩子是三十三支樂隊中
唯一一支選擇一首純人聲無器樂的歌曲亮相的，而且就是這麼一首簡單的歌，還唱哭了周迅，唱到了人心中，這背後是有很深的功力的。
但樂夏歸根結底是一場比賽，而不是一個純展示類的節目。
改編賽在我看來更像是一場命題作文的考試。
從技術上講
考察的是一個樂隊是否形成了比較成熟的風格特色，短時間內的編曲、創作能力，還有樂隊成員之間磨合的那種默契程度。
從理解能力上來講
考察的是一個樂隊對自己改編這首歌曲的理解和交流能力
，這裡面特別好的一個例子就是上一期的大波浪樂隊，在節目的花絮採訪環節裡，大張偉有一段評價大波浪改編《愛情買賣》的話說得很到位。
正是因為不拒絕自己改編的歌曲，不站在一個小眾的立場上先覺得自己改的這首歌太low，他們才找到了開啟這首歌的鑰匙。
也只有這樣這首歌才會敞開胸懷接納你的改編，與之融為一體。
反之出來的改變版本就會很容易呈現出一種截肢之後嫁接的味道，怎麼聽都奇奇怪怪，
兩種不同的力量在一首歌裡一直糾纏。這是很多改編不成功的例子呈現出來的尷尬。
野孩子在選歌的時候就感受到了這種擰巴，
所以與其去改一首自己接受不了的音樂，他們選擇直接演一首自己的歌，然後退賽。
然而這個看起來很搖滾的做法，又和五條人在第一賽段臨時換歌給自己淘汰不太一樣。
上一賽段是純粹的亮相選拔比賽，五條人換歌不會對其他樂隊的成績造成影響，而
野孩子這波操作卻讓和他們打比賽的打比賽的超級斬陷入了一個勝之不武的尷尬處境。
有人既然出現了這種情況，那麼節目組就不應該在公佈成績了，以免大家都尷尬，
但公佈成績本來也是比賽規則的一部分。
既然
野孩子來參加比賽前如果就想好了自己可能會玩不了這個遊戲而退賽，那其實可以根本不籤合同，不來參加這個比賽。
因為這就像是你去考試前，先想著老師出的這個題目如果跟我自己的理解不太一樣，那我就自己給自己出題，這樣的考試有什麼意義呢。
對於野孩子來講，是不是來參加樂夏，他們無疑都很優秀。而樂夏，歸根結底是一場遊戲和比賽。
選
擇了參加樂夏其實就是要放下自己的身段，來這裡和其他的樂隊碰一碰，玩一玩。
如果說第一輪比賽展示的是一個樂隊的水平和底色，那麼很明顯第二輪改編賽是樂隊現在的綜合能力比拼，
它需要的是讓新老樂隊都褪去光環，放下身份，平等的站在一起，用音樂去對話。
然而很遺憾，
野孩子的心理彷彿無法進入這個褪去光環的改編賽流程，還停留在自我展示的第一個賽段。
到底什麼才是國風？
最後回到問題起點，
到底什麼才是國風。
“
國風”展開講就是“中國風”
，也就是具有中國文化特色的歌曲，中國的古典音樂、古詩詞、優秀的傳統文化習俗等等都可以歸結到這個範疇裡。
從這個意義上講我覺得樂夏節目組選擇的這組歌單在主題的選擇上並沒有什麼問題
，當然野孩子自己唱的那首歌也沒有問題，這兩者其實根本就不是一個非此即彼的東西。
解釋完“國風”的主題，我們
不妨再隨便看看這組歌包是不是都是讓人難以接受的歌曲
，體會一下野孩子這組歌單的水平。以郭龍剛開始選定的三首他覺得還不錯的歌為例。
第一首
《滄海一聲笑》是黃霑在1992年為徐克的電影《笑傲江湖之東方不敗》創作的主題曲之一。
（對，就是這張經典劇照）
這首歌不僅
使用了很多中國風味的民樂編配
，歌詞也寫得古風味十足，和明代詩人楊慎《浪淘沙》中那句：
“古今多少事，都付笑談中”的胸襟意境非常相似
，是一首非常經典的作品。
第二首《倩女幽魂》是張國榮演唱的經典版本，也是電影《倩女幽魂》的主題曲。
（電影《倩女幽魂》劇照）
這首歌還是黃霑作詞作曲的。這裡順便說一下黃霑是誰。
（黃霑）
黃霑畢業於
香港大學中文系
，是
詞曲家、也是作家、主持人、演員
。他是流行音樂界的代表人物，被譽為“
香港四大才子”之一
。其創作的《滄海一聲笑》《黎明不要來》《倚天屠龍記》等
影視歌曲曾獲得金馬獎最佳電影配樂、金像獎最佳電影歌曲等榮譽。
不管是中文系的專業背景還是作家的身份，甚至你就透過這兩首歌的歌詞都能看出來，
黃霑對中國文化是有自己比較深刻的理解的，他的語言駕馭和表達的能力也是很好的。
《倩女幽魂》這種歌曲即便是拋開影視的情境，它所表達的那種人生如夢似幻虛浮的情感也是深刻可聽的，
雖然是一首流行歌曲，但流行而不流俗。
但張佺先是和隊友說粵語改國語唱不出韻味，後面聽說有國語版本又陷入了沉默。
最後一首郭龍特別喜歡的
《笑紅塵》是由李宗盛作曲，厲曼婷作詞，陳淑樺演唱的歌曲，該曲是1993年香港電影《東方不敗風雲再起》的國語版主題曲。
（《東方不敗風雲再起》劇照）
也是一首武俠主題的歌曲。
這首歌的編曲作詞相比較前兩首沒有那麼古典味道，但是它有一箇中國遊俠精神的核心在。
這三首歌都是曾經紅極一時的港臺流行歌曲，但並
沒有隨著時代被淹沒，是直到今天還在被傳唱的經典。
再說一首他們沒提到的歌。
這首《琵琶行》雖然旋律做的比較流行，但
歌詞完全就是用了詩人白居易的原句，中間還用到了中國戲曲的唱腔。
如果說野孩子理解的國風就是像他們的《竹枝詞》一樣唱原本的古詩詞
，那這首《琵琶行》又錯在了哪裡？
畢竟你覺得它編的不好可以做各種改編呀
，改編賽的意義不就在這裡嗎？
看完了歌單再來看看野孩子自己選的這首《竹枝詞》，除了所謂的好聽和逼格高，這首歌有很多東西可以聊。
先來說說什麼是竹枝詞，
竹枝詞最早是巴蜀地區的一種民歌，後來經文人雅化，最終演化成一種文人詩體。
由民歌小調到文人作品，這也是中國古代文學一條非常重要的創作路徑
，在這個創作過程中，也是一個歌變文，曲譜旋律逐漸丟失，創作越來越傾向於文人寫作而不是可歌可唱的過程。
深究這個原因和中國古代沒有西方的音樂記譜方式也有關係，因為直到今天我們實際上都無法百分百還原中國古代的記譜方式。
《竹枝詞》這個這個詩體正是經劉禹錫之手而開始文人化的，劉禹錫在任夔州刺史時，依照這種歌謠的曲調寫了十來首歌詞，以野孩子在節目中演唱的這首最為著名。
解釋了前面這些，我們就可以理解，
竹枝詞在中國文學史上最大意義不在這首詞本身多麼深刻，而在於它是民歌向文人詩雅化的一個過渡作品。
從中國古代《詩經》的“風”開始，歌頌男女情愛就是民歌一個非常重要的主題，劉禹錫這首《竹枝詞》也不例外，這是非常少女的一首歌。
你可以想想這樣一個畫面：
江南水鄉，兩岸楊柳青青，碧水清澈無波，江划船上的少女聽到心上人在岸上的歌聲，開始春心萌動，
心想著他到底喜不喜歡我呀
。
最後一句
“道是無晴卻有晴”表面寫天氣，實際巧妙運用了一個諧音，寫少女特有的那種特有的羞澀的猜疑。
這個場景甚至可以追溯到《楚辭》裡划船的女孩唱出的那句：“山有木兮木有枝，心悅君兮君不知。”
表達的都是閨中少女那種嬌俏、羞澀又帶有試探性的愛情。我們甚至把這些歌表達的心境類比今天的各種少女心事小甜歌。
從這個角度講，要說這首歌本身的主題有多適合野孩子，我真的不覺得。但是
野孩子給這首歌的旋律做的整體都比較輕盈，所以和這種水鄉的味道並不違和，但說老實話野孩子本身這種風格，加上全男聲演唱，是怎麼都很難表現出那種少女心境的。
綜上所述，
我不覺得野孩子資歷深作品好就應該把他們推到一個無可置疑的地位，從我的角度看，就事論事，國風歌包沒有那麼差，野孩子改的這首深究主題也不見得那麼適合他們。
討論尊重對方藝術裡面的前提就是了解對方的藝術到底是什麼
，不討論內容一味吹捧野孩子的藝術追求是多麼高尚多麼厲害，
還非要整一出新老樂隊薪火相傳的情感大戲，是非常無聊的。
【The end】
研究員：蘇試試
脾氣暴躁，神經脆弱。謹慎關注，理性留言。
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